El Desafío: Frost contra Nixon

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En los tres años siguientes a verse obligado a dejar la Casa Blanca, Richard Nixon permaneció en silencio. Sin embargo, en el verano de 1977, el astuto y frío ex presidente aceptó conceder una única entrevista y contestar a preguntas acerca de su mandato y del escándalo Watergate que acabó con su presidencia. Nixon sorprendió a todos al escoger a David Frost como confesor televisivo, seguro de que podría con el alegre presentador británico y se ganaría los corazones y las mentes de los estadounidenses. El equipo de Frost no estaba seguro de que el periodista fuera capaz de llevar a Nixon adonde quería. Pero en cuanto empezaron a rodar, la batalla comenzó. ¿Podría Nixon eludir las preguntas acerca de su papel en una de las mayores vergüenzas sufridas por la nación? ¿Exigiría Frost respuestas claras del hombre que llegó al poder por ser el maestro de la evasiva?

Repasemos brevemente la filmografía más reciente de Ron Howard como director, pongamos a partir del 2000. Antes de "Frost/Nixon" (y de su próxima adaptación de "Ángeles y Demonios") la firma del que presta su voz a "Arrested Development" apareció en "El Grinch", "Una Mente Maravillosa", "Desapariciones", "El Hombre que no se dejó tumbar" y "El Código Da Vinci".
Bien, salvo puntuales excepciones limitadas a algunas de sus escenas, lo cierto es que son todos productos sumamente comerciales, caracterizados por grandilocuencias, lágrimas fáciles, americanadas a diestro y siniestro, simplificaciones y, en su mayoría, insultantes campañas para la mera promoción del director de cara al Oscar (que tuvieron su recompensa con "Una Mente Maravillosa", y de no ser por los escándalos que envolvieron a Russell Crowe, también la hubieran tenido con "Cinderella Man").
Visto lo visto, la pregunta a realizar automáticamente, antes incluso de ver la película que nos ocupa, no puede sino ser la siguiente: ¿era Howard el indicado para hacerse cargo de ella? La respuesta, obvia, es un rotundo no, pues en él se engloban los principales defectos de una producción que, sin ser perfecta ni mucho menos, hubiera dado pie a mucho más.

Adaptando su propia obra de teatro, Peter Morgan escribe un guión interesante aunque fallido, si sus objetivos se centran en el historial político de Nixon.
De hecho, es justamente ese el punto flaco del argumento al no acabar de despertar en ningún momento el interés del espectador, en especial el no estadounidense o poco interesado en cuestiones histórico políticas. Exigiendo al respetable un nivel demasiado elevado de conocimiento de todas las irregularidades del presidente, que son someramente mencionados en un confuso prólogo a base de extractos noticiarios aunque luego parecen resultar más o menos importantes a lo largo de la película, "El Desafío: Frost contra Nixon" no aporta absolutamente nada revelador o meramente aclaratorio a cerca de ninguno de ellos, limitando en el escándalo Watergate, como era de esperar, todo su esfuerzo (aunque de nuevo, sin aportar nada especialmente novedoso).


Sin embargo, donde logra resultar interesante y hasta adictiva es en todo lo referente a la entrevista en sí. De manera tal vez algo simplista pero no por ello menos atractiva, el guión se detiene con especial hincapié en la preparación previa de la misma, empezando por la propia financiación y desbocando en la investigación necesaria para la posterior elaboración de preguntas. Todo ello es llevado a cabo por un equipo formado por Sam Rockwell, Oliver Platt, Matthew Macfadyen y (en menor medida) la ascendente Rebeca Hall, reparto que por cierto, resulta convincente y eficaz al aportar a sus respectivos papeles la naturalidad que le falta a Kevin Bacon, quizás el más caricaturesco de todos debido su más decepcionante personaje.

Al margen de la temática tratada (que, repito, es de lo más prescindible), dicha entrevista se convierte en un auténtico campo de batalla en que los dos oponentes, sensacionales tanto Frank Langella (Nixon) como el olvidado por la academia Michael Sheen (Frost, aunque se le recuerda por su interpretación de Tony Blair en "La Reina"), estudian las reacciones de su rival, adaptan su estrategia a las necesidades del momento, y en definitiva acaban sufriendo tanto como si de un concursante indio del "¿Quién Quiere Ser Millonario?" se tratara.


Lamentablemente, aquí es cuando hace acto de presencia Howard, director incapaz de enfrentarse a un producto mínimamente serio y que por tanto se ahoga desde los primeros compases del film.
Incapaz de mantenerse sobrio, y de distinguir esta cualidad de la mera apatía, el director de "Cocoon" se muestra terriblemente apático entorpeciendo el ritmo de la narración a través de un rodaje pesado y aburrido, al que no puede hacer nada por ayudar ni siquiera la partitura de Hans Zimmer, excesiva a todas luces pero necesaria para aliviar un poco el cotarro. Lo que es peor es que las únicas muestras de vida por parte de Howard se revelan como los puntos más endebles de su película, consiguiendo impregnar siempre a sus fotogramas de esa ñoñería que tanto le define y echando la seriedad del film al traste.
A saber qué hubieran hecho de ella Michael Mann, Steven Soderbergh, o el propio George Clooney, cuya "Buenas Noches, y Buena Suerte" se antoja mucho más lograda y apasionante que la que nos ocupa, que por otro lado pasa por sus mejores momentos junto cuando precisamente intenta imitarla.

En resumidas cuentas, por más que "El Desafío: Frost contra Nixon" se revele una película correcta y medianamente estimulante, no deja de ser una oportunidad desaprovechada para tomar la senda de películas como la recién citada centrada en Murrow contra McCarthy. La de Howard se queda en un mero sucedáneo, y por consiguiente todas sus nominaciones salvo la de Langella se antojan a todas luces excesivas.
6/10

La Duda

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Dieciocho años después de su última (y primera) película como director, "Joe Contra el Volcán", John Patrick Shanley adapta su propia obra valedora de un Pulitzer y un Toni, "La Duda", que cuenta con con sendas nominaciones tanto para su guión como para la práctica totalidad de su reparto, encabezado por Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams.

El padre Flynn está tratando de cambiar las estrictas normas del colegio de la parroquia de San Nicolás, que durante años han sido fieramente salvaguardadas por la hermana Aloysius Beauvier, una directora con mano de hierro que cree firmemente en el poder de la disciplina.
Vientos de cambio político están barriendo la comunidad, y de hecho el colegio ha aceptado a su primer alumno negro, Donald Miller. Pero cuando la hermana James, una inocente profesora, le comenta a la hermana Aloysius sus sospechas acerca de la "excesiva atención" del padre Flynn hacia Donald, la superiora comienza una cruzada personal para sacar a la luz la verdad... Sin una sola prueba aparte de su convicción moral.

La traslación a la gran pantalla de una obra teatral nunca deja de resultar interesante. Acostumbrados a artificios propios del cine (y en especial del comercial norteamericano, que puebla como mínimo el 90% de carteleras semana tras semana), de vez en cuando nunca está de más que despunte una cinta basada (casi) únicamente en el guión y la interpretación.

Si hay una cinta que resulte especialmente significativa en este aspecto, esa es "La Duda", en la que tales características adoptan su máxima expresión de manera aplastante, hasta el punto de estar dividida en cinco o seis actos a lo sumo (obviando secuencias de unión entre uno y otro), en los que la acción no sale nunca de las cuatro paredes en que se ubica.
Queda claro por tanto, que lo único que importa a director y espectador es la recitación de sus actores, y no por nada "La Duda" cuenta con dos de los mejores del momento, en estado de gracia por si fuera poco.
Tanto Philip Seymour Hoffman como Meryl Streep, y todos los que les rodean (con especial hincapié a una sorprendente Amy Adams a quien habrá que seguir más de cerca) se enfrascan en sus complicados roles de manera natural y realista, convirtiendo todos y cada uno de sus diálogos en auténticas obras de arte de la actuación. Véase como ejemplo la (larguísima) secuencia en la que se reúnen los tres principales en el despacho de la directora, con constantes cambios de matices y tonos que van asumiendo por turnos de manera totalmente sobrecogedora, como si sólo ellos podían haber tomado parte en esta película.

Película que, por cierto, se antoja sumamente complicada de digerir debido a su argumento y su postura. Ambientada al poco tiempo del fallecimiento de JFK, "La Duda" propone un enfrentamiento entre dos posturas (una conformista y otra más abierta de horizontes) de la Iglesia, criticando una de las dos en particular (que no diremos para no desvelar el final del film) pero sin olvidarse de lanzar algún puñalada a la otra. Y aunque pudiera parecer una trama completamente ajena para el espectador ateo, lo cierto es que sirviéndose de la fe cristiana Shanley aprovecha para retratar a la sociedad (de antes y de ahora) y su comportamiento ante cambios inevitables y de difícil aceptación.

Con todo, cabe resaltar en el debe de la película una excesiva apatía general más allá de su reparto, que si bien buscada, no deja de suponer un duro bache para el espectador al flirtear con el tedio en más de una ocasión. Hasta la música (de Howard Shore) se limita a apariciones meramente testimoniales, aupando la sensación de lentitud y pesadumbre en ocasiones excesiva hasta para el más voluntarioso.

Sin ser, por tanto, una película redonda, "La Duda" es ante todo una gran muestra de lo que puede dar de sí una Buena Actuación (en mayúsculas), pues todos sus actores, niños incluidos, están simplemente perfectos.
Sin embargo, su difícil ritmo y estructura completamente alejada de los cánones cinematográficos la convierten en una cinta difícilmente aconsejable, válida sólo para los que acepten sus condiciones de antemano. De ser así, no cabe duda de que se disfrutará enteramente, pero no está de más plantearse hasta qué punto tienen razón de ser (comercialmente hablando) tales mixturas entre cine y teatro, géneros de tan natural fusión a priori como quizás irreconciliables en algunos casos.
6,5/10

¡Podremos ver "Machete"!

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¿Os acordáis del fake-trailer que se emitía momentos antes del arranque de "Planet Terror"?
Pues los que se quedaron con ganas de más están (estamos) de enhorabuena.
Según The Weinstein Company (la misma que precisamente se cargó el montaje original de "Grindhouse"), el proyecto se ha convertido en una prioridad, y a lo largo de este año se rodará lo que puede ser un estreno cinematográfico, o una trilogía en formato directamente doméstico (nadie sabe nada aún, aunque parece que la segunda es la opción que más gusta a la productora).

En todo caso, y sin que aún se haya confirmado nada, Danny Trejo encarnaría al mítico héroe (!), y Robert Rodríguez suena como posible director de, por lo menos, el primer proyecto.

¡Viva!

If you're going to hire Machete to kill the bad guy, you'd better make damn sure the bad guy isn't you!

Bolt

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Para el súper-perro Bolt todos los días están llenos de aventuras, peligros e intriga -al menos hasta que las cámaras dejan de grabar, ya que es el protagonista de un famoso programa de televisión-. Pero cuando la estrella canina del gran éxito televisivo es enviada accidentalmente desde sus estudios de Hollywood a Nueva York, comienza su mayor aventura en un viaje campo a través por el mundo real. Bolt está convencido de que todos sus increíbles poderes y hazañas son reales. Pero, con la ayuda de dos extraños compañeros de viaje - un hastiado y abandonado gato de compañía de nombre Mittens, y un hámster en una bola de plástico obsesionado por la televisión llamado Rhino - Bolt descubre que no necesita súper poderes para ser un héroe.

"Bolt", segunda incursión al cine de animación digital de Disney tras la fallida "Chicken Little", supone un foco de luz para la compañía otrora dueña y señora del cine infantil, como si hubiera sido iluminada por la ya famosa lámpara de Pixar.
No por nada, tras la película que nos ocupa se encuentra el todopoderoso John Lasseter, uno de los mandamases de la factoría creadora de "Wall·E (Batallón de Limpieza)" y director además del díptico de "Toy Story" y "Cars", que recientemente daba por concluida la disputa entre los dos estudios hermanos llevándose buena parte del pastel al ser nombrado consultor creativo tanto de uno como del otro. Cargo que justamente ha estrenado con "Bolt".

Desde luego, no estamos hablando de un salto de gigante. En relación a las últimas piezas de orfebrería de Pixar, que han llevado al debate de si deben incluirse las cintas creadas por ordenador en las nominaciones a mejor película del año en lugar de relegarlas a la categoría de animación, "Bolt" se encuentra años luz, pues en ningún momento alcanza la profundidad de sus planteamientos o personajes. Sin embargo, a sabiendas de la imposibilidad de alcanzarla, tampoco se detiene a buscarla, optando por una vía de acercamiento al espectador bien distinta, mucho más simplona, pero no por ello menos sana.
Los únicos objetivos de la cinta de Byron Howard y Chris Williams (ambos debutantes en la dirección de largos) son los de divertir y entretener a todo el mundo, a través de una película eminentemente familiar que pueda ser disfrutada sin ningún problema por los adultos.
Para conseguirlo, revisten su excesivamente infantil argumento (eso no se le escapa a nadie) de acción espectacular, de manera que su poco más de hora y media sea una frenética sucesión de carreras, persecuciones, explosiones y súper poderes de todo tipo, entrelazada aquí y allá con los obvios mensajes moralizadores destinados a los retoños.


Así las cosas, lo cierto es que la cosa funciona, y si bien, como decíamos al principio, se encuentra en una división inferior en relación a la Liga de las Estrellas en la que compiten entre sí todas las películas de Pixar, sí puede colocarse como rival a batir para el resto de productoras, con las recientes memeces de DreamWorks a la cabeza.

Por tanto, y partiendo de la base de la falta de pretensiones del film, tan sólo pueden achacásele dos verdaderos fallos principales, residentes por un lado en el personaje de Rhino, el hámster que así como provoca las mejores escenas de la película por momentos la tira al traste (y según tengo entendido, el origen de la inserción de este personaje debe buscarse en el propio Lasseter), y por el otro el horrible momento musical (que por aquí, doblado, resulta aún más insufrible) de la niña humana, que contrae más de una mandíbula y obliga al espectador (adulto) a concienciarse de la calidad de cine infantiloide.

Por lo demás, película sumamente divertida y apta para todos los públicos, sin necesidad de que los menos niños agachen su cabeza. Disney apunta maneras y lo que es mejor, muestra las vergüenzas de esa nimiedad que es "Kung Fu Panda". Y en 3-D, como puede verse en algún cine de Barcelona, la experiencia debe de ser aún mejor.
7/10

El Luchador (The Wrestler)

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Randy The Ram Robinson (Mickey Rourke) es un luchador profesional de wrestling que tras haber sido una estrella en la década de los ochenta, trata de continuar su carrera en el circuito independiente, combatiendo en cuadriláteros de tercera categoría. Cuando se da cuenta de que los brutales golpes que ha recibido a lo largo de su carrera le empiezan a pasar factura, Randy decide poner un poco de orden en su vida; intenta ganarse la vida como trabajador de un supermercado, acercarse a la hija que abandonó, Stephanie (Evan Rachel Wood), y superar su soledad junto a Cassidy (Marisa Tomei), una stripper del bar que frecuenta con asiduidad.

Ganadora del León de Oro en e pasado festival de Venecia e injustamente ninguneada tanto por los Globos de Oro (que aún así le otorgaron los galardones correspondientes a la mejor actuación masculina y mejor canción) como por la Academia de los Oscar, "The Wrestler" supone un punto de inflexión en la filmografía de Darren Aronofsky, director ecléctico donde los haya (y para un servidor, uno de los casos más graves de sobrevaloración de la historia reciente), que presenta con ella su película más comercial hasta la fecha, sin que eso signifique, ni mucho menos, algo peyorativo.

Y es que bien pocas son las pegas que pueden achacársele al film, siendo tal vez la única realmente evidente la total falta de originalidad de la premisa de partida del guión (escrito por el desconocido Robert Siegel, responsable del de "The Onion Movie"), enésimo deportista en horas bajas que debe hacer frente a la sociedad que le rodea más allá del cuadrilátero.
Sin embargo, lo que hubiera condenado a prácticamente toda película del mismo género (el drama deportivo en general) apenas hace mella aquí gracias a todo lo que envuelve a dicha columna vertebral argumentativa, empezando por el propio libreto.
La falta de sorpresa se ve de hecho compensada con creces por el modo en que es expuesta, a través de un relato sumamente pequeño e intimista, que alejado de heroicidades de cualquier tipo salvo la obvia concesión final, sigue desde un (casi documental) acercadísimo plano el desalentador día a día de una estrella venida a menos, un héroe en un mundo que se revela como un monstruo en otro, una bestia incapaz de cuajar en un nuevo hábitat, mero reclamo de miradas de desaprobación.

Por supuesto, para lograr la machada entra en juego Aronofsky, quien se deja de pomposos artificios (los de la hyperestimada "Réquiem por un Sueño") para quedarse con un rol secundario y dejar el protagonismo a los actores que pululan por la pantalla (rodando y montando cada plano, eso sí, con absoluta maestría).


Son ellos los que, por tanto, merecen la mayor ovación. El renacido Mickey Rourke hace gala de unas cualidades excelsas y, con un papel que le va como anillo al dedo, se adueña de la película haciendo de Ram un personaje creíble y entrañable en todo momento, desde que se siente el rey del mundo en la pista, a cuando es derrotado hasta las lágrimas por la hija menor. Su actuación, la humanización (y viceversa) de su personaje, el descenso a los infiernos de la rutina y el ascenso al cielo del ring, su cruelmente irónica vida (un farsante en el mundo real, un héroe en la farsa que supone su deporte), no tardan en sobrecoger a todos los que participan en el film, sean espectadores o propios miembros del rodaje, como demuestra que sus propios compañeros (actores y director) parezcan embobarse a su lado.
Pero aunque Rourke ensombrezca al resto del cast, no debemos olvidarnos de las no menos esforzadas labores de los que le rodean, con mención especial para una Marisa Tomei cuyo personaje parece seguir los mismos pasos del luchador, una stripper algo mayor y por lo tanto menos interesante, y por tanto siendo su encuentro, a fin de cuentas, una conjunción de destinos. También ella se amolda a la perfección a la doble cara de su Cassidy, mostrándose tan poderosa en su desnudez como desnuda (valga la redundancia) en su disfraz de madre trabajadora.

Así pues, "El Luchador" se convierte en una cita ineludible con el cine, una película tremendamente emocionante y cercana pese a la previsibilidad del conjunto y la extravagancia del deporte central (el wrestling). El fabuloso Mickey Rourke obra el milagro con una labor perfecta, que además de conseguir que su personaje resulte sumamente natural y delicado (pese a su aspecto y maneras), le confirma como un nuevo valor en alza en el panorama cinematográfico actual. Pero es que todo, en ella, funciona. Incluso la canción final a cargo de Bruce Springsteen, maravillosa balada injustamente olvidada para los Oscar, supone el broche de oro perfecto para la explosión de sentidos y sentimientos inusitada que propone Aronofsky, empañada únicamente por el hecho de que todos sepamos cómo va a acabar todo. Insultante que no tenga mayor peso en la próxima entrega de los premios Oscar.
8,5/10

Trailer de "Los Mundos de Coraline"

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Nuevo trailer de lo último del director de "Pesadilla antes de Navidad", Henry Selick, que se basa en una historia del siempre temible Neil Gaiman. Con las voces de Dakota Fanning y Teri Hatcher, esta suerte de acercamiento a "Alicia en el País de las Maravillas" tiene previsto estrenarse, en EEUU, el próximo 6 de febrero.

Así pinta el nuevo Sherlock Holmes

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Como ya sabréis, Guy Ritchie ("RocknRolla") está llevando a cabo una versión renovada del mítico Sherlock Holmes, con nada menos que Robert Downey Jr. y Jude Law como Holmes y Watson respectivamente. Recordemos que, curiosamente, al mismo tiempo se está perpetrando una versión en clave más humorística a cargo de la factoría Apatow. A ver en qué queda todo. De momento, aquí tenéis las primeras imágenes del "Sherlock Holmes" de Ritchie...


"Martyrs" se estrena... en América y en DVD

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Que me decepcionara en su día, a nivel personal, no significa que no sea igualmente uno de los films clave del cine de terror de este año (y de los últimos). Y en vista de que por aquí dudo mucho que llegue a estrenarse, que aún seguimos esperando a la todopoderosa "À L'Intérieur" o a "Frontière(s)" (entre muchas, demasiadas otras), los aficionados del género estamos de relativa enhorabuena.
El próximo 24 de marzo (o 28 de abril según la fuente), directamente en DVD, se estrenará en EEUU "Martyrs", la cinta más controvertida del pasado festival de Sitges, a cargo de Pascal Laugier.

Será una buena ocasión para hacerse con ella vía Amazon, por poner un ejemplo, y como recomendación personal y para aprovechar gastos de envío, podrían incluirse en el pack tanto las dos citadas anteriormente como "Teeth" también maravillosa e inédita. Vamos, que yo es lo que haré.

Sea como sea, ahí va una primera versión de la portada del DVD. ¡Comprad, insensatos!

Vicky Cristina Barcelona

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Aprovechando la reciente revalorización de esta película, que tras ganar nada menos que el Globo de Oro a la mejor película-comedia, cuenta con una nominación a los Oscar (Penélope Cruz como mejor actriz secundaria), rebuscamos en el cajón del olvido que es el borador de Blogger para hablar de lo más reciente del siempre controvertido Woody Allen.

Dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su tempestuosa ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).

Como suele pasar este país, si alguien nos hace la pelota aprovechamos la mínima ocasión para apuñalarlo y cebarnos con él. Así, desde que se diera a conocer que Woody Allen, uno de los mejores directores de la historia, iba a rodar su próxima película en tierras ibéricas, la noticia fue acogida con entusiasmo sólo por algunos, mientras que otros arrugaban narices y fruncían ceños.
Cuando por fin se descubrió el nombre del film, los comentarios fueron unánimes: poco original, soso, una mierda (claro, porque ahora "Manhattan" es el colmo de la innovación), y aun sin tener la más remota idea de qué iba a ir el argumento, el posicionamiento negativo (el run run tan característico de por aquí) hacia "Vicky Cristina Barcelona" comenzó a gestarse hasta eclosionar en el momento de su estreno, quedando como una de las peores películas del genio británico para la gran mayoría de especialistas.
Pues bien, algo debe de andar mal por las mentes de tales críticos, pues al margen de la prejuiciosa campaña negativa llevada a cabo en España (que dio sus frutos, no fueron pocos los espectadores que acudieron a los cines para confirmar que era tan mala como decían), la película ha sido uno de los mayores éxitos de Allen allá donde ha sido vista, tanto de público como de crítica, lo que se ha traducido en numerosos premios y reconocimientos, y en la consolidación en taquillas estadounidenses (la primera que alcanza a "Hannah y sus Hermanas", estrena hace 22 años).
¿No será porque, en realidad, "Vicky Crisntina Barcelona" no es tan mala después de todo?


Desde luego no estamos hablando de la mejor película de su carrera. Bien cierto es que se trata de un argumento más bien intrascendente, y por lo tanto no aporta absolutamente nada al espectador más allá de la satisfacción que pueden suponer las alusiones a actos sexuales de lo más variopintos (nada se ve en pantalla, salvo ese famoso beso entre Cruz y Johansson; que cada cual intuya lo que quiera).
Sin embargo, ello no evita que los poco más de 90 minutos de la cinta puedan disfrutarse de manera tan activa como si de cualquier otra se tratara.
A sabiendas de que al ritmo de una película por año resulta imposible crear siempre obras maestras (la última fue "Match Point"), Allen opta por el mero esparcimiento, convirtiendo su "Vicky Cristina Barcelona" en una descripción sencilla y trivial de nada más que las vacaciones de dos amigas norteamericanas.

Por tanto, al espectador no le queda otra que relajarse ante la peculiar visita por Barcelona y Oviedo que llevan a cabo, y a las relaciones que van estableciendo en ambos lugares, ambas vertientes argumentales resueltas con frescura y ligereza por un, no lo olvidemos, maestro de la comedia. Y es que a fin de cuentas, "Vicky Cristina Barcelona" no es más que eso, una comedia de corte clásico, puntualmente irreverente. Al margen de que, que yo sepa, este tipo de cine nunca había sido pecado antes (en especial en la carrera del director que nos ocupa), resulta que además se trata de una de las mejores películas de clase media de Allen, esas que sirven para llenar los huecos entre sus grandes obras.

Si a todo ello se le suma un grupo de actores más que correcto (a excepción de un Javier Bardem incómodo de principio a fin) con una Pé que no sólo sorprende sino que relanza el interés del film cuando éste comienza a dar signos de flaqueza, el resultado es una película más que correcta, que seguramente no pasará a la historia, pero con la que Allen por lo menos cumple con su única función de distraer (y distraerse).

De la controversia acerca de la imagen más o menos fiel de Barcelona sólo citar que me parece una soberana gilip..., tontería. Si el director quiere mostrar la versión más pulcra y de alto standing (por otro lado, acorde con los protagonistas de la película, cuyos principales hobbies son la pintura expresionista y la fotografía, que no son precisamente económicos) de la ciudad, los ciudadanos en vez de quejarnos deberíamos sentirnos orgullosos. La Ciudad Condal se ve limpia, brillante y casi de ensueño, desde luego un lugar de visita obligatoria para cualquiera, o por lo menos eso parece querer demostrar Allen: que se trata de uno de los lugares más bellos del mundo.
6,5/10

Nuevo Trailer de "Harry Potter y el Misterio del Príncipe"

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Directamente desde Japón llega este nuevo trailer de lo próximo de Harry Potter, que recordemos se estrenará a principios de verano. Está en inglés, salvo por la voz en off (que es nipona, y molesta que no veas, pero aún así se pueden ver muchas cositas interesantes). Ahí va...

Slumdog Millionaire

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Tras una ecléctica filmografía reciente formada por “28 Días Después”, “Millions” y la incomprendida “Sunshine”, Danny Boyle regresa por todo lo alto con “Slumdog Millionaire”, película por la que se ha llevado un sinfín de alabanzas y premios, entre los que se incluyen los Globos de Oro a mejor película, director y guión.

Basándose en la novela “Q & A” de Vikas Swarup, “Slumdog Millionaire” se centra en Jamal Malik (Dev Patel), un adolescente de clase baja de Mumbai que a pocas horas de optar al premio gordo de la versión india de “Quién Quiere Ser Millonario”, es acusado de estafa. Siendo interrogado por la policía, el chico irá repasando su difícil vida (supervivencia, más bien) mientras justifica su conocimiento a las respuestas de cada pregunta del programa televisivo.

Notable (que no excelente) propuesta la que nos llega de la mano del director de “Trainspotting”.
Partiendo de un argumento tan absolutamente delirante como entrañable y logrado, “Slumdog Millionaire” hace uso de infinidad de disfraces a lo largo de las dos horas de su metraje, convirtiéndose en una cinta de imposible encasillamiento tanto formal como de género, y desde luego en una de las opciones más originales de los últimos tiempos.
Así, tanto visual como argumentalmente, la cinta pasa de la denuncia social al documental, del thriller de acción más trepidante (verdadera alma de la cinta) al drama íntimo e intimista, pasando por la comedia romántica, la aventura, e incluso el musical (esto último en los títulos de crédito finales y geniales).
Como es lógico, a todo ello se asocian de manera automática multitud de discursos que incluyen crítica social (a la situación de los países tercermundistas, a los medios), dualidad moral (de las irregularidades que llevan a cabo Jamal y su hermano Salim para sobrevivir) o esperanza de futuro, quedando sutilmente equilibrada la balanza entre mera acción y discurso reflexivo.

Sin embargo, por más que a primera vista pueda resultar rompedora tanto para la situación cinematográfica actual como para la propia filmografía del británico, éste en realidad aprovecha la ocasión para juntar en un solo saco todo lo aprendido a lo largo de su carrera como cineasta, lo cual no es moco de pavo, precisamente. Por ello, y aunque extrapoladas a nuevos terrenos, no son pocas las referencias a toda su filmografía, y no puede evitarse un ligero recuerdo a “Trainspotting” en las persecuciones por las callejuelas de Mumbai, a “Millions” o “28 Días Después” en lo referente a los primeros años de Jamal y su hermano, siendo meros retoños, o a "La Playa" y la propia “Sunshine”, aunque sea en algunos pasajes meramente visuales.


Ahora bien, aunque todo ello otorgue a “Slumdog Millionaire” las justificaciones necesarias para ser vencedora de los premios que lleva hasta ahora y clara favorita a los Oscar, no pueden pasarse por alto ciertas concesiones que merman en exceso el cómputo global.
En más de una ocasión a lo largo de todo el metraje, Boyle va optando por resoluciones excesivamente simplistas y oportunistas, buscando de manera burda y plana el beneplácito del público más general-comercial, y por tanto acercando inevitablemente su producto a algo mucho más mundanal y menos refinado (¿elitista?) de lo que podía haber sido.
Por tanto, tras la sorpresa inicial de la propuesta, todo comienza a decaer poco a poco, si bien no llega nunca a rayar la barrera de la decepción, hasta asentar ligeramente al espectador en una estabilidad emocional que nada tiene que ver con el pistoletazo de salida, auténtica montaña rusa de sensaciones.
Todo acaba por eclosionar en una conclusión que si bien goza de un clímax sumamente estudiado y llevado a la perfección, no deja de resultar harto decepcionante por su previsibilidad y, de nuevo, su excesiva simplicidad conceptual.

Afortunadamente, dichas sensaciones quedan como un mero reflujo amargo al arrancar los imperdibles créditos finales, tan frescos y sorprendentes como su comienzo, y que completan una de las mejores propuestas de la cartelera del momento. Porque con sus más y sus menos, "Slumdog Millionaire" es una de esas películas que tienen que verse, cuyo mix de géneros no decepcionará a nadie, si bien tampoco saciará plenamente los paladares de los más exigentes.
6,5/10

Nominaciones Oscar 2009

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Bueno, ahí va la lista completa de los nominados a la 81ª edición de los Oscar. La verdad, parece que se han hecho la picha un lío, con perdón: ahora Winslet es nominada a mejor actriz protagonista por "The Reader (El Lector)", cuando ya ha ganado el Globo de Oro por esa película como mejor actriz... secundaria; por otro lado, aparece Michael Shannon como secundario por "Revolutionary Road", dejando para el olvido las portentosas actuaciones de sus protagonistas (y declarándole la guerra oficialmente a Di Caprio).

Por lo demás, como era esperable, en vez de decantarse por la ruptura de moldes y nominar realmente a las que han sido las mejores películas del año (a falta de ver alguna de las nominadas, eso sí), la Academia vuelve a decepcionar con las típicas películas-peticiones-de-Oscar alzándose como favoritas. Vamos, que relegan a "El Caballero Oscuro" y "Wall·E (Batallón de Limpieza)" a categorías inferiores.
Me alegra que hayan nominado a Robert Downey Jr. como secundario al menos, y aunque sea una batalla perdida, rezaré para que lo gane él por delante de un fallecido Heath ledger al que se le está dando tanto bombo y platillo que comienza a dar cierta rabia (para los que no sepan lo que opino sobre tanto reconocimiento para un actor que lo tenía absolutamente todo y pese a ello optó por suicidarse mediante una sobredosis... pues bueno, ya se lo pueden imaginar).

En fin, que la suerte está echada, ya sólo queda ver si la Pé da la sorpresa para darle algo de enjundia al asunto, y si le bajan un poco los humos a Danny Boyle y su notable pero no excelente "Slumdog Millionaire" que cuenta con todos los números para arrasar.
Seguiremos informando (y por "informando" quiero decir comentando el mayor número de películas nominadas posible).

MEJOR PELÍCULA
El Curioso Caso de Benjamin Button
El Desafío: Frost contra Nixon
Mi Nombre es Harvey Milk
The Reader (El Lector)
Slumdog Millionaire

MEJOR DIRECTOR
Danny Boyle, Slumdog Millionaire
David Fincher, El Curioso Caso de Benjamin Button
Ron Howard, El Desafío: Frost contra Nixon
Stephen Daldry, The Reader (El Lector)
Gus Van Sant, Mi Nombre es Harvey Milk

MEJOR ACTOR PROTAGONISTA
Richard Jenkins, The Visitor
Frank Langella, El Desafío: Frost contra Nixon
Sean Penn, Mi Nombre es Harvey Milk
Brad Pitt, El Curioso Caso de Benjamin Button
Mickey Rourke, The Wrestler (El Luchador)

MEJOR ACTRIZ PROTAGONISTA
Anne Hathaway, La Boda de Rachel
Angelina Jolie, El Intercambio
Melissa Leo, Frozen River (Río Helado)
Meryl Streep, La Duda
Kate Winslet, The Reader (El Lector)

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Josh Brolin, Mi Nombre es Harvey Milk
Robert Downey Jr., Trophic Thunder: ¡Una Guerra Muy Perra!
Heath Ledger, El Caballero Oscuro
Philip Seymour Hoffman, La Duda
Michael Shannon, Revolutionary Road

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Amy Adams, La Duda
Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
Viola Davis, La Duda
Taraji P. Henson, El Curioso Caso de Benjamin Button
Marisa Tomei, The Wrestler (El Luchador)

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Vals con Bashir (Israel)
La Clase (Francia)
The Baader Meinhof Complex (Alemania)
Revanche (Austria)
Departures (Japón)

MEJOR PELÍCULA ANIMADA
Bolt
Kung Fu Panda
Wall-E (Batallón de Limpieza)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Courtney Hunt, Frozen River (Río Helado)
Mike Leigh, Happy. Un Cuento Sobre la Felicidad
Martin McDonagh, Escondidos en Brujas
Dustin Lance Black, Mi Nombre es Harvey Milk
Andrew Stanton, Jim Reardon y Pete Docter, Wall·E (Batallón de Limpieza)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
Eric Roth y Robin Swicord, El Curioso Caso de Benjamin Button
John Patrick Shanley, La Duda
Peter Morgan, El Desafío: Frost contra Nixon
David Hare, The Reader (El Lector)
Simon Beaufoy, Slumdog Millionaire

MEJOR FOTOGRAFÍA
El Intercambio
El Curioso Caso de Benjamin Button
El Caballero Oscuro
The Reader (El Lector)
Slumdog Millionaire

MEJOR MONTAJE
El Curioso Caso de Benjamin Button
El Desafío: Frost contra Nixon
Mi Nombre es Harvey Milk
El Caballero Oscuro
Slumdog Millionaire

MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA
El Intercambio
El Curioso Caso de Benjamin Button
El Caballero Oscuro
La Duquesa
Revolutionary Road

MEJOR BANDA SONORA
El Curioso Caso de Benjamin Button
Slumdog Millionaire
Resistencia
Mi Nombre es Harvey Milk
Wall·E (Batallón de Limpieza)

MEJOR CANCIÓN
'Down to the Earth' (Wall·E (Batallón de Limpieza))
'Jai ho' (Slumdog Millionaire)
'O...Saya' (Slumdog Millionaire)

MEJOR VESTUARIO
Australia
El Curioso Caso de Benjamin Button
La Duquesa
Mi Nombre es Harvey Milk
Revolutionary Road

MEJOR MAQUILLAJE
El Curioso Caso de Benjamin Button
El Caballero Oscuro
Hellboy 2: El Ejército Dorado

MEJORES EFECTOS VISUALES
El Caballero Oscuro
Iron Man
El Curioso Caso de Benjamin Button

MEJOR SONIDO
El Curioso Caso de Benjamin Button
El Caballero Oscuro
Slumdog Millionaire
Wall·E (Batallón de Limpieza)
Wanted. Se Busca

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
El Caballero Oscuro
Iron Man
Slumdog Millionaire
Wall·E (Batallón de Limpieza)
Wanted. Se Busca

MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL
The Betrayal
Encounters at the End of the World
Man on Wire
The garden
Trouble of the water

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
The Conscience of Nhem En
The Final Inch
Smile Pinki
The Witness - From the Balcony of Room 306

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Auf der Strecke (On the Line)
Manon on the Asphalt
New Boy
The Pig
Spielzeugland (Toyland)

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
La Maison en Petits Cubes
Lavatory - Lovestory
Oktapodi
Presto
This Way Up

Lista de nominados al Razzie 2009

9 comentarios
Copio y pego rápidamente la lista de nominados a los premios Razzie de este año, que como ya sabéis son lo opuesto a los Oscar, valorando lo peor del año.
Más adelante si hay tiempo me encargaré de los pertinentes comentarios y de realizar mi quiniela personal...

Worst Picture:
* Disaster Movie
* Meet The Spartans
* The Happening
* The Hottie and The Nottie
* In The Name of The King: A Dungeon Siege Tale
* The Love Guru

Worst Actor:
* Larry the Cable Guy (Witless Protection)
* Eddie Murphy (Meet Dave)
* Mike Myers (The Love Guru)
* Al Pacino (88 Minutes, Righteous Kill)
* Mark Wahlberg (The Happening, Max Payne)

Worst Actress:
* Jessica Alba (The Eye, The Love Guru)
* The Cast of The Women (Annette Bening, Eva Mendes, Debra Messing, Jada Pinkett-Smith, Meg Ryan)
* Cameron Diaz (What Happens in Vegas)
* Paris Hilton (The Hottie and the Nottie)
* Kate Hudson (Fool's Gold, My Best Friend's Girl)

Worst Supporting Actor:
* Uwe Boll (as Himself) (Postal)
* Pierce Brosnan (Mamma Mia!)
* Ben Kingsley (The Love Guru, War Inc, The Wackness)
* Burt Reynolds (Deal, In the Name of the King)
* Verne Troyer (The Love Guru, Postal)

Worst Supporting Actress:
* Carmen Electra (Disaster Movie, Meet the Spartans)
* Paris Hilton (Repo! The Genetic Opera)
* Kim Kardashian (Disaster Movie)
* Jenny McCarthy (Witless Protection)
* Leelee Sobieski (88 Minutes, In the Name of the King)

Worst Screen Couple:
* Uwe Boll & Any Actor, Camera or Screenplay
* Cameron Diaz & Ashton Kutcher (What Happens in Vegas)
* Paris Hilton and either Christine Lakin or Joel David Moore (Hottie & The Nottie)
* Larry the Cable Guy & Jenny McCarthy (Witless Protection)
* Eddie Murphy IN Eddie Murphy (Meet Dave)

Worst Prequel, Remake, Rip-Off or Sequel:
* The Day The Earth Blowed Up Real Good
* Disaster Movie and Meet The Spartans
* Indiana Jones and The Kingdom of The Crystal Skull
* Speed Racer
* Star Wars: The Clone Wars

Worst Director:
* Uwe Boll (1968: Tunnel Rats, In The Name Of The King, Postal)
* Jason Friedberg & Aaron Seltzer (Disaster Movie, Meet the Spartans)
* Tom Putnam (The Hottie & The Nottie)
* Marco Schnabel (The Love Guru)
* M. Night Shyamalan (The Happening)

Worst Screenplay:
* Disaster Movie and Meet The Spartans (Both Written By Jason Friedberg & Aaron Seltzer)
* The Happening (Written By M. Night Shyamalan)
* The Hottie And The Nottie (Written By Heidi Ferrer)
* In The Name Of The King: A Dungeon Siege Tale (Screenplay By Doug Taylor)
* The Love Guru (Written By Mike Myers & Graham Gordy)

Worst Career Achievement:
* Uwe Boll

The Reader (El Lector)

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Cuando cae enfermo en su camino a casa desde el colegio, Michael Berg, un joven de 15 años, es rescatado por Hanna Schmitz, una mujer que le dobla la edad. Ambos comienzan un inesperado y apasionado idilio, hasta que Hanna desaparece inesperadamente. Ocho años después, Michael, convertido en un joven estudiante de derecho, vuelve a encontrarse con su antigua amante mientras está como observador en un tribunal donde se está juzgando a colaboradores de la Alemania Nazi. Hanna está acusada de un horrible crimen, y rechaza defenderse a sí misma. Michael, gradualmente, se va dando cuenta de que el amor de su juventud guarda un secreto que considera aún más vergonzoso que el asesinato...

Desde que se cometiera el error de elevarle a la liga de mejores directores del momento por su sobrevalorada "Billy Elliot. Quiero Bailar", Stephen Daldry ha estado buscando un Oscar a la desesperada, quedando nominado tanto por ésta como por su segunda (y mejor, pero también sobrestimada) película, "La Horas". Sin embargo, y pese a hacerse con varios galardones en categorías inferiores, a la hora de la verdad ha sido siempre derrotado no sólo en cuanto a la estatuilla dorada se refiere, sino también en los Globos de Oro y los BAFTA. Pese a ello, tal vez a sabiendas de que la cinta basada en la vida de Virginia Woolf tuvo mejor aceptación en general, y usando la regla del tres (por "Billy Elliot" lo nominaron a los BAFTA y los Oscar, por "Las Horas" a los BAFTA, los Oscar y los Globos), con "The Reader (El Lector)" el director británico ha optado por repetir la misma fórmula, homenajeándose a sí mismo y esperando ver si a la tercera va la vencida y cuela.
Pues no, no ha colado.

No deja de resultar curioso que, partiendo de una base (no sólo argumental) realmente interesante, la cinta opte por una serie de derroteros como mínimo desconcertantes que a la postre acaban convirtiéndose en imborrables tachones que condicionan, y mucho, las sensaciones globales de la misma.
Fragmentada en diversos arcos temporales, "The Reader" repite el patrón de "Las Horas" y lo potencia, vinculando de manera mucho más simple todos ellos como si de un puzzle de flashbacks y recuerdos se tratara. Para ello, se recurre a dos actores para interpretar el mismo papel en el caso de Ralph Fiennes y David Kross (haciendo de Berg en diversas etapas de su vida), lo que resultaría una opción inpor lo menos curiosa de haberse mantenido para el resto del reparto, y de hecho, hasta la peculiar decisión de otorgar a Lena Olin dos papeles a lo Eddie Murphy (haciendo de madre e hija) así lo confirman.
Sin embargo, por su caché supongo, la regla se echa por tierra en el caso de Kate Winslet, que conforme pasa el tiempo va siendo maquillada con mayor ímpetu para envejecer su rostro y aparentar así desde la casi cuarentena a los 80 años.

Ahora bien, no creo descubrir la pólvora al afirmar que por muy genios que sean en general (y a falta de ver "El Curioso Caso de Benjamin Button"), los cineastas son incapaces de recrear el envejecimiento de una persona, valga como ejemplo el desastroso cuarto final de "Una Mente Maravillosa", sin ir más lejos. Ésta, obviamente, no iba a ser la excepción.
Como resultado de tan acartonado maquillaje y tan forzada situación, la principal dagnificada acaba siendo la propia actriz, cuya labor en el film decepciona por su irregularidad al alternar momentos impresionantes con otros muy por debajo de lo esperado en la flamante ganadora de dos Globos de Oro.

Que su principal y casi único reclamo se revele fallido no hace sino confirmar la serie de desaciertos que presenta este drama sentimental tan confuso y variable en su presentación como engañoso y sumamente simplista en su fondo.
Y es que obviando por completo cualquier clase de segunda lectura salvo las (masticadas) referencias a la doble moralidad, la ignorancia o la línea que separa la legalidad de lo humano, "El Lector" pretende que los espectadores se interesen por la relación imposible de amor entre Berg y Schmitz, y aunque al comienzo pueda conseguirlo mostrando escenas de desnudos explícitos (lo cual no deja de agradecerse, dicho sea de paso), no tarda en desvincularse de ellos con una evolución completamente previsible, tediosa y apática que nada tiene que aportar.

Quién sabe si las cosas hubieran sido distintas con un discurso más profundo (los escasísimos diálogos entre profesor y alumnos de derecho dan pie a debates de lo más gratificantes que se pierden en el olvido), un montaje más corriente y por tanto pertinaz al tipo de guión que se traen entre manos, o un planteamiento más lógico en referencia a los actores y sus álter egos, la película de Daldry hubiera logrado convencer algo más.
Sin embargo, está tan obcecado en su búsqueda por el Oscar, que su cinta acaba perdiéndose en un mar de pretenciosidad e intrascendencia, naufragando en el tedio más absoluto. No sería de extrañar que algunos malpensados creyesen que tanto bombo y platillo se debe en realidad a los nombres que aparecen enrolados como productores: Anthony Minghella y Sydney Pollack.
4,5/10

Revolutionary Road

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Once años después de "Titanic", Sam Mendes vuelve a reunir a Kate Winslet, su esposa, y Leonardo di Caprio para adaptar la novela homónima de Richard Yates, "Revolutionary Road", y de paso reencontrarse con su mejor versión, aquella que encandiló a propios y extraños destrozando el sueño americano de la mano de Kevin Spacey y Annette Bening.

En los años cincuenta, Frank (Leonardo DiCaprio) y April (Kate Winslet) son una joven pareja que vive en los suburbios de Connecticut. Su vida, aparentemente feliz para muchos otros, tras casarse y tener dos hijos, se encuentran ante la disyuntiva de luchar por sus verdaderos deseos o conformarse con su estado actual, una vida donde ambos se sienten mediocres, del montón, precisamente ellos que siempre se vieron a sí mismos como especiales, diferentes, preparados para alcanzar los sueños y lograr altos ideales.

No son pocos los puntos en común que guardan "American Beauty" (junto a toda su filmografía, en menor) y esta nueva propuesta del director de "Camino a la Perdición".
Como en aquella ocasión, el objetivo de su mirada vuelve a ser el sueño americano, y en especial el núcleo familiar y su cabida en el mismo.
Por tanto, pese a ambientarse antes en el tiempo y contar con una personalidad y presentación completamente diferente, podría decirse que Mendes continúa su tesis sobre la destrucción de esos dos temas. Continuación que, digámoslo ya, mejora en prácticamente todos sus aspectos.

Abandonando ese humor negrísimo del que hacía gala Spacey, "Revolutionary Road" opta por un discurso mucho más maduro e igual de cínico, cuya atención se centra casi exclusivamente en la evolución de la relación de una pareja que de puertas para fuera parece de ensueño, viviendo la gran vida americana en una casa adorable, con dos hijos sanos y educados y con holgada situación monetaria. Evidentemente, tal fachada no tarda en evaporarse al descubrir (tras una introducción realmente magnífica) los entresijos intrínsecos de un amor extinguido del que sólo queda dolor y autodestrucción.
Huelga decir que la cantidad de cuestiones que se desatan en el espectador conforme progresan los sosegados minutos (no podía ser de otra manera) de la cinta se antojan incontables por el carácter personal de cada una de ellas, pero sí merece la pena destacar que tan importante posibilidad se logra gracias a un cúmulo de aciertos que llevan al film a un éxito rotundo, al menos en lo que a sus objetivos no comerciales se refiere.

El primero de ellos recae sin duda en el tándem protagónico de la función, dos actores que demuestran una química excelente pese a la dificultad de sus roles. Casi como si de una obra teatral se tratara, tanto Winslet como Di Caprio (ambos de Oscar) recitan de manera sumamente expresionista y vigorosa, pero a la vez realista, sus numerosas disputas, encajando con gélido dramatismo los diferentes reveses que van recibiendo a lo largo del film. Su grado de perfección es tal que en ocasiones resulta incluso difícil de soportar el visionado de su labor sin soltar un resoplido, y aunque sería injusto olvidarse de uno en favor del otro, cierto es que la actriz de la fallida "El Lector" hace valer sus premios obtenidos con una maestría interpretativa inaudita, digna de comenzar a pensar en ella como la mejor actriz del momento (repito, sin tener en cuenta su titubeante actuación en el film recién citado).

A ellos, se le une un tempo que como mencionábamos antes resulta lento y monótono, factores que se ven fortalecidos por una banda sonora de mismas finalidades y que suponen el verdadero punto de ruptura entre "Revolutionary Road" y "American Beauty". Voluntariamente buscada por el propio Mendes, dicha sensación amartilla a personajes y público por igual, logrando la opresiva sensación de tedio y desencanto por el que pasa la pareja (y por extensión, llegando incluso a justificar alguna de sus más incorrectas acciones), y forzando a unos y otros a reflexiones vinculadas a su vida y entorno privados, sus sueños, sus metas y aspiraciones, y demás lindezas para llegar a la pregunta de hasta qué punto tiene sentido la vida tal y como la vivimos a día de hoy. Para apuntillarla, ironías de la vida, es justamente en la encarnación del personaje más insano de la función (Michael Shanon) que acaba erigiéndose la mayor cordura, en una decisión tal vez simplista en exceso, pero no por ello menos descorazonadora.


Curiosamente, la verdadera pega que debe apuntarse en el debe de "Revolutionary Road" reside en el excesivo conformismo de su dirección. Sobriedad y elegancia son los adjetivos que mejor describen la labor de Mendes tras las cámaras, que sin embargo se antoja excesivamente impersonal y académicamente correcta. Empieza a parecer que poco más pueda pedírsele al inglés, pues bien patente quedó en "Jarhead" que gran parte de su atino se basaba en la labor como director de fotografía del tristemente fallecido (tras "Camino a la Perdición")Conrad L. Hall, y en esta ocasión los temores no hacen sino confirmarse.

Con todo, no cabe duda de que "Revolutionary Road" supone una película notable e incluso excelente en muchos de sus aspectos, actores a la cabeza. Además, cuenta con la virtud de alcanzar sus objetivos artísticos con total precisión. Otra cosa es que reflexionar, meditar, dudar, sufrir y salir del cine completamente devastado (atención a la escena del desayuno, o el plano de Winslet mirando por la ventana el radiante exterior de su barrio) pueda resultar interesante para el espectador que no se acerque a ella engañado por la publicidad del film. Desde luego, favorita para los Oscar desde ya, por muy ninguneada que haya sido en los pasados Globos de Oro.
8/10

Final alternativo de "Superfumados"

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El vídeo que sigue va dedicado a los tres o cuatro espectadores que fueron a ver en su día "Superfumados", lo más reciente hasta la fecha de la Apatow Productions y que ya comentamos en su día.
En fin, que me ha hecho bastante más gracia este final que su original, y por tanto, ahí que va. Para los que no entiendan ni papa de inglés, ha sido extraído de los extras del DVD americano, por lo que lo más seguro es que se incluya en la edición española.


La Clase

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François y los demás profesores se preparan para enfrentarse a un nuevo curso. Llenos de buenas intenciones, deseosos de aportar la mejor educación a sus alumnos, se arman contra el desaliento. Pero las culturas y las actitudes se enfrentan en el aula, microcosmos de la Francia contemporánea. Por muy divertidos y estimulantes que sean los adolescentes, sus comportamientos pueden cortar de raíz el entusiasmo de un profesor que no cobra bastante. La tremenda franqueza de François sorprende a sus alumnos, pero su estricto sentido de la ética se tambalea cuando los jóvenes empiezan a no aceptar sus métodos.

Ganadora de la Palma de Oro en el último festival de Cannes, "Entre les Murs" (traducida como "La Clase" por aquí) es una nueva incursión al cine de Laurent Cantet, quien para la ocasión adapta una novela de François Bégaudeau, profesor de colegio que describe un año de su propia vida en las aulas.
Con este material de base, la cinta supone un análisis prácticamente en clave documental de la situación actual francesa (y europea, en realidad), desmenuzando aspectos que van mucho más allá de la mera educación sirviéndose de la clase de alumnos como espejo de toda la sociedad.

Obviando casi por completo la estructura narrativa típica de una película, el director otorga casi por completo las riendas a sus actores, espléndidos todos ellos y entre los que destaca el propio Bégaudeau interpretándose a sí mismo, quedando por tanto relegado a un segundo puesto no por ello menos importante. De hecho, su filmación insegura, casi escondida y camuflada entre los muros del aula, potencia sensiblemente el factor documental, lo cual a su vez sirve como elemento de retroalimentación para la enorme carga dramática implícita del film (cualquiera que se acerque a ella pretendiendo escenas de lágrima fácil a lo "Mentes Peligrosas" saldrá ampliamente decepcionado, pero no por ello la que nos ocupa resulta menos inquietante).
Son precisamente los niños y profesores los encargados de insuflar toda la potencia y vigorosidad al proyecto, recitando sus guiones con total naturalidad y resultando por ello sorprendentemente realistas.

Basado en una sucesión continua de diálogos y confrontaciones entre François y su clase, el aparentemente desordenado guión a seis manos (los propios Bégaudeau y Cantet, junto a Robin Campillo) se convierte de manera imperceptible y paulatina en una película de lo más desasosegada, que alcanza su máxima cota en la evolución del personaje de Suleiman. Y aunque alejado completamente de efectismos, mantiene vivo y activo el interés de un espectador que se moverá entre la preocupación (social) y el recuerdo personal de sus años como estudiante.

“La Clase” es, por tanto, una cinta difícil y exigente, cuya cantidad de conceptos abarcados obligan a una profunda reflexión y análisis de la sociedad actual. Racismo, multiculturalidad, precariedad estudiantil, dejadez paterno-filial, crisis económica, son sólo algunos de los temas a los que hace alusión con mayor o menor detenimiento.
Pero más importante aún, "La Clase" es toda una lección de cine comprometido y eminentemente documental, rodado e interpretado con maestría por unos cineastas que de bien seguro no habrán salido impunes del experimento, siendo una víctima más (como el público al que se dirigen).

Muy recomendable visionado para todo el que disfrute del cine en sus múltiples y opuestas facetas.
8/10

Globos de Oro 2009: entre la sorpresa y aburrimiento

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Pese a no tener demasiado tiempo para ello, no puedo evitar comentar brevemente la ceremonia de entrega de los Globos de Oro celebrada ayer domingo.
Nada más empezar, JLo comenzó entregando el primer premio de la noche correspondiente a la mejor actriz de reparto en comedia, para el que competía Penélope Cruz, que se fue de manos vacías. Así, sin monólogo previo, ni introducción, nada de nada, arrancaba por tanto la que prometía ser la ceremonia más rápida de la historia, para deleite de los espectadores europeos. Nada más lejos de la realidad: que no hubiera monólogos ni chistecillos implicaba que los galardonados tenían todo el tiempo del mundo para sus agradecimientos, por lo que al final duró incluso más de lo previsto por la propia organización del evento...
En fin, que cabe destacar el gran apoyo que ha recibido "Slumdog Millionaire", la nueva cinta de Danny Boyle que se alza como clara favorita para el Oscar. Dando la espalda al resto de competidores entre los que se incluían lo nuevo de David Fincher o Sam Mendes, los críticos de Estados Unidos optaron por darle prácticamente todos los premios a los que optaba.
El otro nombre propio de la ceremonia es sin duda Kate Winslet, actriz eternamente nominada pero nunca ganadora, que ayer se hizo nada menos que con dos Globos por sus discutibles actuaciones en "Revolutionary Road" y "The Reader (El Lector)".
Para potenciar el factor sorpresa de la noche, subieron al escenario nada menos que Mickey Rourke por su labor en "The Wrestler" (cuyo discurso fue uno de los escasísimos momentos de brillantez e hilaridad de la velada) y Colin Farrell por esa pequeña joya que es "Escondidos en Brujas", así como Sally Hawkins por "Happy. Un Cuento sobre la Felicidad".
Pero sin lugar a dudas la mayor sorpresa de la noche se vivió en la categoría de mejor comedia, donde la odiada por todos los críticos españoles (y por ello me alegro de no ser uno de ellos) "Vicky Cristina Barcelona" se hizo la victoria pro encima de los todopoderosos Coen o "Mamma Mia!". ¿Qué pasará ahora con la película de Allen? ¿La Nominarán en todas las categorías de los Goya?
El resto de la ceremonia dejó más bien poco para el recuerdo y mucho para el olvido. Las demás categorías se fueron descubriendo con la habitual falta de sorpresa de unos críticos que parecen reciclar nominaciones/vencedores de años anteriores (o no ven nada nuevo en la tele,en su defecto), así como pasiones fervorosas, por lo que los dueños y señores de la noche fueron "Rockefeller Plaza", "Mad Men" o "John Adams".
Sólo cabría mencionar la aparición de Ricky Gervais (este sí, lo mejor con diferencia de la ceremonia) con su peculiar sentido del humor, quien se subió al escenario a presentar un premio con una cerveza en la mano, ordenando al público a guardar silencio, y criticando a los, valga la redundancia, críticos del certamen por no haberle considerado por su "Ghost Town".

Poco más que añadir, salvo una pregunta: ¿Realmente tiene sentido rendirle tanto homenaje a Heath Ledger, fallecido hace ya un año? Sin querer entrar en su actuación como Joker, digna del premio (aunque yo personalmente se lo hubiera dado a Tom Cruise o Robert Downey Jr.), recordemos que no es el único cineasta fallecido esta temporada, y que se suicidó por una sobredosis de pastillas, y perdonen que frivolice, pero eso no es precisamente heroico. Digo todo esto porque cuando se anunció su nombre, pararon la ceremonia para poner un vídeo in memoriam entero sólo para él, al que siguió una ovación de varios minutos, con toda la platea en pie, y un discurso de Nolan halabando su carrera como actor, que hasta "Brokeback Mountain" no era precisamente del agrado de los profesionales del medio. Nada, cosas mías.

MEJOR PELÍCULA - DRAMA: SLUMDOG MILLIONAIRE

MEJOR ACTRIZ - DRAMA: KATE WINSLET, por REVOLUTIONARY ROAD

MEJOR ACTOR - DRAMA: MICKEY ROURKE, por THE WRESTLER

MEJOR PELÍCULA - COMEDIA O MUSICAL: VICKY CRISTINA BARCELONA

MEJOR ACTRIZ - COMEDIA O MUSICAL: SALLY HAWKINS, por HAPPY. UN CUENTO SOBRE LA FELICIDAD

MEJOR ACTOR - COMEDIA O MUSICAL: COLIN FARRELL, por ESCONDIDOS EN BRUJAS

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN: WALL·E (BATALLÓN DE LIMPIEZA)

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: WALTZ WITH BASHIR (ISRAEL)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: KATE WINSLET, por THE READER (EL LECTOR)

MEJOR ACTOR DE REPARTO: HEATH LEDGER, por EL CABALLERO OSCURO

MEJOR DIRECTOR: DANNY BOYLE, por SLUMDOG MILLIONAIRE

MEJOR GUIÓN: SIMON BEAUFOY, por SLUMDOG MILLIONAIRE

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL: A. R. RAHMAN, por SLUMDOG MILLIONAIRE

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: “THE WRESTLER” — THE WRESTLER

MEJOR SERIE - DRAMA: MAD MEN (AMC)

MEJOR ACTRIZ TELEVISIÓN - DRAMA: ANNA PAQUIN, por TRUE BLOOD

MEJOR ACTOR TELEVISIÓN - DRAMA: GABRIEL BYRNE, por EN TERAPIA

MEJOR SERIE - COMEDIA O MUSICAL: ROCKEFELLER PLAZA (NBC)

MEJOR ACTRIZ TELEVISIÓN - COMEDIA O MUSICAL: TINA FEY, por ROCKEFELLER PLAZA

MEJOR ACTOR TELEVISIÓN - COMEDIA O MUSICAL: ALEC BALDWIN, por ROCKEFELLER PLAZA

MEJOR MINISERIE O PELÍCULA PARA TELEVISIÓN: JOHN ADAMS (HBO)

MEJOR ACTRIZ - MINISERIE: LAURA LINNEY, por JOHN ADAMS

MEJOR ACTOR - MINISERIE: PAUL GIAMATTI, por JOHN ADAMS

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO TELEVISIÓN: LAURA DERN, por RECOUNT

MEJOR ACTOR REPARTO TELEVISIÓN: TOM WILKINSON, por JOHN ADAMS

Trailer de "La Última Casa a la Izquierda"

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Ya hablamos anteriormente de este nuevo remake basado en la aclamada película homónima de Wes Craven.

En vista de su inminente estreno, podemos ver su primer trailer (con una de las músicas más desafortunadas que recuerdo, por cierto). Ahí va...



Aprovecho también para anunciar que mi ordenador ha vuelto a morir, a lo que se suma el inicio del periodo de exámenes en la Universidad (sí, aquél sitio al que sigo yendo vaya usted a saber por qué), por lo que nos os extrañéis si la actividad en este blog se ve (aún más) reducida. Uno hace lo que puede...

El Hijo de Rambow

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De la mano de Garth Jennings ("La Guía del Autoestopista Galáctico"), este viernes se estrena en nuestras carteleras "El Hijo de Rambow", cinta de regusto indie que presenta a Will y Lee Carter, dos niños ingleses radicalmente distintos entre sí que deciden unir sus fuerzas para hacer una película tras haber visto "Acorralado", y por tanto aprovechando el filón del gran éxito de Stallone.

Ante semejante propuesta uno no puede evitar sentirse atraído. Que dos niños de poco más de 10 años decidan, en plena década de los ochenta, crear una película similar al primer "Rambo" no deja de ser un suculento festín para todo freak, sentimental, o simple curioso, más aún si se tiene en cuenta que "El Hijo de Rambow" obtuvo la calificación de "PG-13" (no recomendado a menores de 13 años) debido a comportamiento temerario y peligroso.
Consciente de ello, Jennings otorga alguna que otra escena completamente delirante fruto de la socarronería y la imaginación de uno y otro niño respectivamente, y basta con ver el trailer del film para constatar que la risa está asegurada (aunque lamentablemente en él aparezcan prácticamente todos esos momentos) a base de auténticas locuras de lo más peligrosas.

Sin embargo, el discurso del británico, que es director y guionista, va mucho más allá, centrándose como era de esperar en la evolución de la relación que se crea entre ambos infantes. Will es el más pequeño en una familia huérfana de padre, perteneciente a un grupo religioso casi sectario que prohíbe explícitamente la vinculación de sus vidas con lo terrenal. No ve la tele, no escucha música, no se habla con nadie, y se lleva la Biblia a cuestas, libro en el que aprovecha para dar rienda suelta a su imaginación dibujando y coloreando historias de todo tipo. No es de extrañar que a la que ve por error "Acorralado", se vuelva algo majara.
Lee Carter, en cambio, es un niño travieso, maleducado y delincuente de poca monta, crecido sin la sombra de sus padres pero que sin embargo aspira a presentar su película a un certamen de la BBC.
Con éste como motor central, "El Hijo de Rambow" aprovecha para meter mano a una infinidad de temáticas que pasan por la crítica social y la descripción costumbrista (por así decirlo) de la época, la suma de todo lo cual implica ese inevitable aroma a cine independiente del que hablábamos al principio.
Y es justamente aquí donde el film de Jennings falla.

Porque por mucho que su film mantenga el listón mínimo exigido en este género ("Pequeña Miss Sunshine" "Juno", "Como la Vida Misma", etc) otorgando las justas gotas de comedia, drama, ternura, freakismo y entretenimiento, e incluso dando una nueva vuelta de tuerca al mismo, no menos cierto es que el director se queda a las puertas del logro, optando por la vía del convencionalismo (y van...) y por tanto manteniéndose siempre en lo estrictamente correcto a todos sus niveles.
Eso implica una blandura excesiva, que no tarda en amoldarse a los lugares más comunes y manidos de toda película similar, y por tanto restando el total interés más allá del encanto de sus niños protagonistas o del proseguimiento de la película que ruedan, que dicho sea de paso no tarda en adoptar un papel demasiado secundario.


Por tanto, "El Hijo de Rambow" se queda en una comedia entretenida y entrañable, pero como lo son (casi) todas las que se le parecen, que no son pocas.
De haber optado por potenciar la hilaridad del rodaje, en el que residen los mejores momentos de film con mucha diferencia, probablemente ahora estaríamos hablando de la comedia del momento, pero al centrarse únicamente en la sosa y previsible relación entre protagonistas y su entorno, todo queda en una más.
Con todo, no se le pueden negar momentos de absoluta brillantez, así como una óptima labor por parte de los jóvenes actores, por lo que no deja de ser una más que correcta opción para pasar el rato y evadirse de la que está cayendo últimamente. Allá cada uno.
6/10

Quarantine

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Poco menos de un año han tardado los estudios de Hollywood en rehacer su versión de "[Rec]" la descomunal película de Balagueró y Plaza que persuadió (y lo sigue haciendo) a público y crítica.
De la mano del semidesconocido John Erick Dowdle ("The Poughkeepsie Tapes"), llega por tanto "Quarantine", que se suma a esa interminable lista de remakes norteamericanos que demuestran una y otra vez lo mucho que les convendría coger y doblar directamente la original (y eso que esta no es de las peores que han pululado por aquí).
Como a estas alturas todo el mundo debe de saber ya, la trama se centra en una reportera y su cámara que, rodando un documental sobre la vida de los departamentos de bomberos, se quedan atrapados en un edificio de pisos cuando sellan el lugar por una supuesta infección vírica en la ciudad de Los Ángeles.

Salvo honrosas excepciones, la moda de plagiar películas extranjeras a la americana siempre ha resultado una decepción enorme para el espectador, en especial cuando éste es conocedor de la obra original
Si "Quarantine" no supone el descalabro de "Retratos del Más Allá" (por ejemplo), eso se debe única y exclusivamente a la enorme calidad de la original, pero desde luego eso no excluye que el film de Dowdle no sea un chasco en todos sus sentidos.

Son muchos los factores que influyen negativamente en "Quarantine", empezando por la completamente equivocada elección de su reparto. Mientras que el dúo catalán optaba por actores desconocidos (exceptuando quizás a la presentadora, papel para el que contaron con... una auténtica presentadora de televisión), para la versión estadounidense se ha contado con profesionales de rostros reconocibles, seguramente por temor a no resultar un éxito en taquilla.
Tal decisión parece haber dado sus frutos económicos, que a fin de cuentas es lo único que se busca con estos inventos, pero ello ha conllevado también a la (casi) completa eliminación de la que es la verdadera gracia de "[Rec]": "Quarantine" no asusta.
Y no lo hace porque sus protagonistas son encarnados por actores, que como tales recitan en lugar de vivir la película, más centrados en pronunciar correctamente sus frases (americanadas incluidas) que en creerse a sí mismos, y con ello resultan forzados y poco creíbles, rozando el ridículo en más de una ocasión (por cierto, ¿a quién se le ocurrió darle el carnet de actor a Jay Hernandez?).

Pero no son ellos, pobres, los únicos en cargarse el factor miedo de la película. La misma incredibilidad parece haberse adueñado de la cámara, que se muestra mucho más artificiosa y recargada de técnicas dignas de Steven Spielberg. Zooms, temblores, enfoques, encuadres, todo ello parece mucho más estudiado en esta ocasión, acercándose peligrosamente a una película de terror común dirigida por un director eficaz pero con parkinson. Es obvio que tanto en el film original como en "El Poryecto de la Bruja de Blair" están igual o incluso más preparados, pero en ambos casos sus directores lograban maquillarlo de tal manera que bien podría haber parecido un documento verídico de ser emitido en un telediario.
Por último, también se le puede achacar cierta culpa al excesivo puritanismo que desprende este "Quarantine" en relación a su hermana mayor. Si bien consta de las mismas escenas, e incluso de alguna que otra adicional, como comentaremos a continuación, todo ello parece haber sido pasado por agua, diluyéndose en exceso tanto el exceso con el que Balagueró & Plaza se regodeaban.


Así y todo, como decíamos al principio la película cuenta con un gran punto a su favor que es el original en que se basa, que es tan bueno como para hacerla menos nefasta. Mientras Dowdle se limita a plagiar a los españoles, la película funciona al menos como entretenimiento o mera curiosidad si se quiere. Además, cuenta con un par de personajes adicionales (tanto humanos como animales) así como secuencias nuevas que suponen una grata sorpresa, logrando sus mejores momentos (ojo al perro, o al ataque a base de camarazos), aunque ello comporte la eliminación de las entrañables entrevistas que Manuela Velasco efectuaba a los habitantes del edificio condal infectado, básicas para darle un mayor significado de documento.

Así las cosas, "Quarantine" no es ni mucho menos una buena película, más bien todo lo contrario, pero sin embargo no llega a ser el despropósito al que nos tiene acostumbrados la factoría cinematográfica del otro lado del lago. Apenas asusta, pero por lo menos entretendrá y sorprenderá a los que aún no hayan visto la original y se decidan inexplicablemente por esta.
Para los que sí lo hayan hecho, esta propuesta no debería suponer más que un par de extras de la edición en DVD, por ese puñado de escenas adicionales (que por otra parte poco o nada tienen que ofrecer), aunque puede llegar a resultar irritante para los más fanáticos al tomarse la libertad de eliminar tanto las entrevistas como cierta explicación final (que no desvelaremos, pero sí dejaremos a modo de pista que reside en una grabación en cinta).
Por último, un consejo: NO la vean doblada, ¡qué horror!


En fin, que nada de lo escrito hasta ahora sirve de algo: revean la original y monumental "[Rec]" y déjense de gilipolleces. Amén.
4,5/10
El comentario del día

Esta película es un auténtico pedazo de MIERDA, es la peor que he visto con diferencia, y la verdad es que me he tragado verdaderos bodrios de serie B, desde el minuto 2 he estado deseando levantarme y largarme de allí, no solo no entretiene, sino que asquea y mucho. Es desagradable, los sonidos, la banda sonora(muy extraña), y los efectos que fallidamente busca causar en el espectador son nefastos y muy bizarre(no en el sentido de la palabra en español). Odiosa, no hay nada peor, diálogos y guion carecen de sentido y calidad, una verdadera mierda.
Un anónimo dixit, en Crítica de Bunraku

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